Con el mismo título, pero el jueves 16 de febrero en Zaragoza, estarán en la mesa redonda Arnal Ballester, Isidro Ferrer y Max, moderados por Carlos Velázquez, profesor de diseño e ilustración de la Escuela de Arte de Zaragoza. Será a las 19:30, en la Sala 1 del Centro Joaquín Roncal (San Braulio 5-7, 50003 Zaragoza), y se contará en esa ocasión con la colaboración del colectivo Tertulias Gráficas.

El objetivo de estas mesas redondas es mover a la reflexión, especialmente a aquellos ligados profesionalmente a la ilustración, sobre los cambios que se vienen produciendo en el mercado del libro y en los otros ámbitos de actuación de los ilustradores, y difundir, entre otras cuestiones, las conclusiones del informe Los retos de la era digital.

La entrada es libre y gratuita en ambos casos, pero el aforo es limitado.

Son actividades del Observatorio de la Ilustración Gráfica, organizadas por FADIP dentro del programa «Los retos de la era digital», patrocinado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

La jornada, de acceso libre y gratuito, transcurrirá de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h en la Central de Diseño/DIMAD de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera 14, 28045 Madrid) y contará con la presencia de expertos en derecho de autor y nuevos medios y con representantes del asociacionismo español y europeo.

Así, en una primera mesa redonda, sobre «Los aspectos legales de la contratación actual», que se centrará especialmente en los problemas que encuentran los creadores en la actualidad, a partir especialmente de las consultas recibidas en diversos servicios de asesoramiento, estarán José Vicente Quirante, director de la Fundación Arte y Derecho; Belén Álvarez Cabrera, abogada de la asesoría jurídica de VEGAP, y Ana Noguerol, asesora jurídica de APIM, moderados por el ilustrador Manuel Berrocal.

En la titulada «Riesgos y oportunidades de la era digital para los autores» estarán Silvano Gozzer, consultor especializado en edición e Internet y promotor de la web Anatomía de la Edición; Henar Pérez Castaño, representante del servicio de registro en línea SafeCreative.org, y Pablo Jurado, presidente de APIM, moderados por la ilustradora Reyes Guijarro.

En la mesa «El derecho de autor en el ámbito internacional» participarán los ilustradores Derek Brazell, gerente de la AOI (Association of Illustrators, del Reino Unido) y Paolo Rui, presidente del EIF (European Illustrators Forum) y directivo de la Associazione Illustratori, con Sally Cutting (vicepresidenta del EIF) como moderadora.

La jornada finalizará con una mesa de conclusiones en la que los moderadores de las otras mesas expondrán un resumen de los temas tratados en cada una. Durante toda la jornada, el público está llamado a participar en los debates. Los materiales resultantes de estas jornadas servirán para próximas publicaciones del Observatorio.

Así, abrirá la jornada una doble disertación a cargo de Carlos Ortín (miembro de la Comisión de Profesionales del Observatorio) y Henrique Torreiro (gerente de FADIP y coordinador de proyecto del Observatorio), bajo los títulos «¡Maldición! ¡Los contratos!» y «La ilustración ante la era digital», que sirven, entre otras cosas, para presentar en público nuestro informe Los retos de la era digital.

A continuación, otras intervenciones muy relacionados con los temas que tratamos en este espacio web: la de Álvaro Pons se titula «Del papel al e-book. Crónica de una transición digital»; la de Mar Hernández Malota, por su parte, «A la velocidad del rayo», y la de Raquel Pelta, «Involucrarse en el mundo y la sociedad». Finalizará la actividad con una mesa redonda que reunirá a todos los ponentes del día.

Para quien no pueda asistir a las Jornadas, los textos de todas las charlas serán publicados por el MuVIM.

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Como continuación lógica del Informe 2008, el Observatorio de la Ilustración Gráfica publica un nuevo informe, centrado en los problemas, y también las ventajas y nuevas perspectivas, que traen consigo los medios digitales. Como en aquel caso, el informe está concebido como «una herramienta para empezar a situarnos profesionalmente en el siglo XXI, una base para la reflexión sobre los problemas que tenemos que resolver ante los nuevos retos».

Los retos de la era digital, al igual que el anterior informe, viene firmado conjuntamente por los miembros de la Comisión de Profesionales del Observatorio. La Comisión está compuesta por relevantes profesionales de distintos ámbitos —ilustración, dirección artística, edición, jurídico—, avalados por su trayectoria profesional y personal: Horacio Altuna, Pablo Amargo, Elisa Arguilé, Arnal Ballester, Ulises Culebro, Ricardo Esteban, Manuel Estrada, Isidro Ferrer, Forges, Miguel Gallardo, Pablo Martínez, Max, Albert Monteys, Elena Odriozola, Javier Olivares, Carlos Ortín, Miguelanxo Prado, Mariona Sardà, Rosa Serrano y Javier Zabala.

Los retos de la era digital se divide en dos partes:

• La primera es el informe propiamente dicho, en el que se hace un repaso al panorama actual de los medios digitales, con especial referencia al modelo de negocio del libro y a cómo afecta esto a los derechos de autor de los ilustradores; se da una panorámica de la situación internacional, la protección del derecho de autor en la red y la globalización generalizada del trabajo (y con él también de los problemas) de los profesionales de la ilustración. El informe finaliza con unas conclusiones dirigidas a instituciones, clientes y profesionales de la ilustración.
• Los anexos incluyen dos informes sobre contratos reales de edición analizados por Mariona Sardà; la reproducción de la llamada «Declaración de Oslo», del Foro Internacional de Autores; un artículo del gerente de BNO, Gert Gerrits («Mirar hacia afuera»), que avanza resultados del futuro Informe Económico Europeo; un artículo sobre la situación de la enseñanza de la ilustración gráfica en España; y, por último, la transcripción de la mesa redonda «Los derechos de autor en los medios digitales», con el ilustrador y diseñador Manuel Estrada, el profesor de Periodismo Ramón Salaverría, y la abogada Blanca Suso, moderados por Javier Olivares.

El libro puede descargarse desde esta web, en los enlaces de abajo, de forma gratuita, en formato PDF. En breve estarán disponibles otros formatos.

Descargar el libro:

• Español (PDF, 1921 Kb)
• Español (archivo optimizado para la impresión digital) (PDF, 1355 Kb) [tamaño 170 × 235 mm, más 3 mm de sangre]
• Español (EPUB, 762 Kb)
• Español (MOBI, 809 Kb)
• Inglés (PDF, 197 Kb) [Sin anexos]
• Inglés (EPUB, 109 Kb) [Sin anexos]
• Inglés (MOBI, 597 Kb) [Sin anexos]

[English version of this text]

En los III Encuentros Ilustradores Euskadi/Euskal Irudigileen III.Topaketak, organizados por APIE-EIEP en Bilbao el pasado día 2 de octubre, se trataron estos temas. Javier Gutiérez Vicén, director general de VEGAP, habló sobre las entidades de gestión y sus diferencias; sobre el copyright, el copyleft y el derecho de autor en el mundo; y, en resumen, sobre lo que está pasando en un panorama cada día más globalizado si cabe, en el que las inquietudes de los autores entran en muchas ocasiones en colisión con las de la industria.

Son 60 minutos de una interesante grabación sonora que puede escucharse desde aquí:

Dentro de unos días ofreceremos también la charla que siguió a esta en los Encuentros: «Los retos de la creación en ilustración ante los nuevos soportes de comunicación», a cargo de Gemma Cortabitarte.

[...] Ahora, por ejemplo, he estado participando en un concurso al que me ha convocado una gran compañía para su logo. Convocan a nueve estudios para escoger uno solo. Intentas, antes de hacer el trabajo, negociar las condiciones: te pagan la participación, pero tú vas a plantear ideas que, según las condiciones del proceso, pueden ser del ganador, sea quien sea: cada participante pone ideas en el plato, y el que gana se lleva el plato completo. Yo alargué el proceso inicial porque era el único de los nueve que planteó unas condiciones diferentes, por lo cual ya estaba colocándome en riesgo de ser excluido; de los demás, algunos eran pequeños estudios, pero otros eran grandes empresas de varios países. Puede llegar a suceder que gane alguien que sea más cómodo. Después, como es un logo, tienes que ceder cualquier posibilidad de que luego se pueda cambiar arbitrariamente de color, forma, composición… Esto es un trabajo de creación, que te pagan y te reconocen como trabajo de creación, pero ahí estamos en esa especie de delicada balanza: no podemos renunciar a ello.

Creo que mi modesta aportación aquí es la del profesional que vive peleando en este mercado, donde, de momento, tenemos las de perder: la legislación va por delante de donde estamos, mucho más atrás de lo que esa legislación nos permite; esto no es como si fuésemos Ulises y Aquiles, pero es una actividad un tanto heroica. En la ilustración ya es duro, pero en el campo del diseño, donde compiten compañías grandes (americanas, inglesas) que también operan aquí, y a las que el tema de la autoría no les importa, porque lo que les importa es la facturación (conseguir doce en lugar de ocho), los que tratamos de compatibilizar esto con un trabajo de creación gráfica… Claro, a lo mejor nuestro trabajo puede tener más interés, desde el punto de vista analítico o formal, pero tenemos que competir no solo siendo más pequeños: como le damos más importancia a la creación, estamos peor.

Volviendo al tema de la generosidad: todos conocéis el logotipo de «I Love New York», de Milton Glaser, que es un paradigma de síntesis, de creación gráfica bien pensada. Milton Glaser dice que este logotipo era exitoso porque la gente tenía que pensar un poco al principio para entenderlo, y luego se lo apropiaba como si fuera un chiste ingenioso, que es lo que es. Él, generosamente, cedió a la ciudad de Nueva York este logo, no quiso cobrarlo. Tampoco es que sea millonario; ganaba dinero por ser uno de los ilustradores y diseñadores gráficos más famosos de nuestro tiempo. Pero esto no sirve, porque ha habido gente después que ha registrado ese logo como si fuese suyo, y ahora vas a Nueva York y compras una taza o cualquier cosa con el I Love NY y está registrado por gente que no es Milton Glaser. Por tanto, ni siquiera tiene sentido esta demagogia de que si los creadores son unos peseteros: no, es que en nuestra sociedad las cosas se regulan por el beneficio, el coste, el precio… Está muy bien que los programas de Linux se hayan cedido gratuitamente por sus creadores, pero los diseñadores gráficos nos quejamos de que no hay diseñadores de tipografías en nuestro país; hacer una tipografía lleva mucho tiempo: todos usamos la Times New Roman, la cogemos de Internet, e incluso nosotros, hablando aquí de los derechos de autor… Pero hacer la tipografía te puede llevar tres meses, y no podemos olvidar cuánto vale el salario de un profesional o de un equipo que está tres meses haciendo una tipografía, y quién está dispuesto a pagar ese dinero, cuando después la gente se la descarga gratis. Hay un desfase entre nuestra capacidad creadora y nuestra inclusión en el mundo de la creación gráfica de obras complejas que necesitan de una administración compleja y un reconocimiento social. Yo creo que es ahí, además de en el terreno legal, donde tenemos que librar la batalla, desde las asociaciones y también desde las sociedades de gestión, los investigadores, los profesores… Tenemos que conseguir que la gente, y sobre todo la gente joven, entienda que sin pagar lo que vale el tipógrafo que hace durante tres meses una tipografía, nunca tendremos tipografías hechas aquí, siempre tendremos que usar tipografías hechas por en otros sitios, y las tendremos que coger ilegalmente, y diremos qué bien y qué libre, pero estaremos impidiendo que haya alguien que haga ese desarrollo.

[...] Me voy a referir a este tema de la demagogia. Esto es muy importante: ahora en Suecia se ha creado un «Partido Pirata», que tiene representación en el Parlamento de Estrasburgo; hay una enorme cantidad de gente, sobre todo jóvenes, que asocia esta idea de la libertad de uso de la reproducción con el carácter gratuito de las cosas. En cierta forma es comprensible, porque una cosa más barata se prefiere a una cara, pero implícitamente, cuando uno no entiende que hay que pagar algo en esta sociedad —en la que el valor de uso y el valor de cambio están mezclados y parece que aquello que no se compra no tiene valor—, automáticamente hace que adquiera un rango. Y sobre todo se utiliza de manera demagógica por parte de gente que, vamos a suponer, en una parte es bienintencionada, pero en otra claramente no lo es. Porque ese tótum multiplataforma del que hablaba Ramón Salaverría aumenta las posibilidades en Internet, pero también aumenta los riesgos. Tenemos que intentar ver de qué forma, en el plazo de los próximos años o décadas, estas dos cosas se equilibran. Está muy bien luchar por que todo sea libre y sea gratis su difusión, pero si a la gente de pequeños sellos discográficos (cuyo trabajo consiste en juntar músicos y ponerlos en buenas condiciones para grabar su música) les aplicáramos el criterio de uso libre de lo que producen, verían lógicamente desaparecer su trabajo, porque solo tienen la posibilidad de seguir manteniendo sus pequeñas estructuras, consistentes en cobrar por lo que hacen; no digo mucho, pero cobrar. Lo mismo nos pasa a los diseñadores, ilustradores y fotógrafos: vivimos de nuestro trabajo, y justamente el hecho de que no podamos cobrar por él nos impediría seguir haciéndolo. Esa parte demagógica normalmente es enarbolada por gente que no vive de estos trabajos que hacemos nosotros, de estos trabajos que tratamos de defender. Aquí no hay una cuestión de generosidad o tacañería: es una cuestión de supervivencia de unos oficios o profesiones que se juegan en esto mucho y pueden tener muchas posibilidades, potenciar su actividad, pero que al mismo tiempo pueden ver claramente el riesgo. [...]

En todo este tema de lo digital, como trabajamos por encargo, nosotros mismos, los diseñadores (también pasa con los ilustradores, pero en nuestro oficio aun más) nos autocensuramos. Cuando hablo con muchos de mis colegas de profesión de plantear este tema de los derechos de autor de los diseñadores, me encuentro con que me contestan que ya tienen problemas para que les encarguen cosas y se las paguen, y que si para colmo ponen encima de la mesa la totalidad de sus derechos, se convierten en un proveedor imposible: nadie los va a llamar. Y esta es la actitud que tiene una buena parte del sector todavía. «Si ya consigo ser ilustrador o fotógrafo, ya tengo bastante como para reivindicar que quiero que mis derechos tengan contrato y demás». Muchos profesionales que empiezan a trabajar (y no tan jóvenes, sino incluso gente que tiene un largo desarrollo profesional) casi te miran con pánico cuando les planteas esto que se propone desde la VEGAP; incluso nosotros mismos: si yo me pongo a regular mi trabajo con el criterio de máxima exigencia veo que me convierto en un competidor fuera de mercado para los que no lo hacen, y como somos todavía minoría, tengo muchas veces que medir hasta dónde pido y hasta dónde no. [...]

[...] Ocurre que en el último período de nuestra historia la imagen se ha convertido en algo que nunca había sido: nuestra cultura visual aparece con la pintura occidental, como la base de lo que hemos llamado la cultura de lo visual. La fotografía vuelve nuevamente a cambiar esto, e irrumpe como algo que se convierte en un segundo lenguaje: si habíamos establecido un lenguaje con la escritura, la segunda gran alfabetización se produce con la imagen, sobre todo con la generalización del uso de la herramienta de fotografiar, reproducir y publicar. Esto Internet aún lo amplía más; es decir, por un lado hay un mecanismo de democratización: ya no hace falta manejar la pintura, una herramienta muy sofisticada, para expresarse con lo visual; esto está cada vez más al alcance de todo el mundo, y en ese sentido democratizamos algo.

No obstante, esta democratización también tiene riesgos. [...] Se ha generalizado el uso de la imagen, pero no es lo mismo quien es dueño de grupos, medios y plataformas que quien produce esa imagen; sobre todo que quien produce esas imágenes y vive de ellas.

En este sentido, el trabajo de los ilustradores, de los fotógrafos y de los diseñadores en realidad forma parte de un mismo todo; yo presido una asociación de diseñadores, DIMAD, además de ser miembro de APIM y de VEGAP, y veo que los problemas son los mismos; la nuestra es una batalla que apenas se está empezando a librar ahora. Cuando hablamos de autoría, la cualidad de los autores visuales apenas está reconocida como autoral; hay un enorme escalón entre lo que ocurre en la legislación, en el marco europeo e incluso en el estatal, y en la vida cotidiana. En mi propia experiencia, yo trabajo para alguno de los grandes grupos como diseñador, y de pronto me encuentro con cosas como que diseño la imagen de una gran colección de libros, y, aunque sé cuáles son mis derechos, también sé que si quiero seguir trabajando en ese grupo tengo que ceder la tipografía que he diseñado específicamente para eso. Hay una enorme desproporción de fuerza. Uno puede ser Robin Hood y decir: «aguanto el empujón, nunca vuelvo a trabajar con estos», pero la realidad y la legalidad caminan sobre pies diferentes. Por tanto, es muy importante la labor de las asociaciones, y también la de las sociedades de gestión, que muchas veces se critican con demagogia libertaria sobre la libertad de uso de las cosas en Internet. Librar esta batalla es una tarea de muchos, pero sobre todo de la gente que crea imágenes y que entiende que todo esto no solo sirve para beneficiar a los autores sino a todo el que puede serlo mañana. Sobre todo porque, además, si esto no se consigue regular, la creación se pone en peligro, en conjunto: no solamente porque no sea rentable desde el punto de vista económico, sino porque desde el punto de vista moral uno llega un momento en que decide dedicar su capacidad a otra cosa, porque no hay territorio propicio, y la sociedad no entiende, no reconoce su labor, aunque la ley lo haga. [...]

Debe figurar también el ámbito temporal y el ámbito territorial. En Internet tenemos ámbito mundial, evidentemente; por eso es tan importante el ámbito temporal por el que se autoriza. En función del tiempo, el ámbito territorial y las modalidades de explotación cedidas se determinará la remuneración. Las obras creadas en el futuro, de modalidades que se creen en el futuro, o para medios inexistentes o desconocidos, no se pueden ceder. Si ahora mismo se cede una obra para que sea incorporada como carátula de un cedé, y la misma es utilizada en iTunes para su descarga, se trata de un nuevo modelo de negocio y una nueva forma de explotación, y necesita un contrato nuevo para esa nueva modalidad de explotación.

La contraprestación siempre tiene que ir vinculada al porcentaje en los ingresos de explotación; esta es la regla general, y, como excepción, está la contraprestación a tanto alzado. La ley, cuando habla de la regulación de cómo debería ser a tanto alzado, desgraciadamente, habla de «trabajos de ilustración de una obra»; es algo que se debería eliminar completamente, porque lo único que nos quedaría en caso de conflicto es el artículo 47, que establece que cuando hay una manifiesta desproporción entre lo que se ha pagado a tanto alzado y lo que esa explotación de la obra está generando se puede acudir al juez para que se revise el contrato. Esto está muy bien expuesto, pero el problema radica en la necesidad de sufragar los costes judiciales hasta obtener una sentencia estimatoria. La manifiesta desproporción ya aparece cuando un ilustrador a título individual ha de enfrentarse económicamente al coste de un litigio frente a una empresa editorial, por ejemplo. [...]

Los derechos morales, evidentemente, siempre quedan en manos del autor. Y yo entiendo que es importante también en este sector concreto que cuando se cedan en exclusiva los derechos se deje a salvo el derecho de transformación. Este derecho está concebido como de explotación, pero realmente está más cerca de ser un derecho moral, porque si a un artista le transforman una obra, le están alterando lo que ha creado, y el problema es que la obra nueva que se crea no es titularidad del autor, sino del artista que la altera. Si se cede el derecho de transformación puede hacerse, por ejemplo, de un cómic un dibujo animado, y el autor original no va a poder recibir ninguna nueva remuneración por esa nueva explotación porque no es el autor: es una obra derivada completamente diferente de la obra original. En el caso del autor asalariado [...] lo que se establece en la ley es que se regirá esa relación laboral por lo que se establezca en el contrato, que siempre se debe realizar por escrito. No sé si siempre ocurre o son colaboraciones puntuales; y lo que dice la ley es que, a falta de pacto escrito en esa relación laboral del artista que trabaja, por ejemplo, para un periódico, se presumirá que los derechos de explotación se ceden en exclusiva (estamos hablando ya de derecho de transformación) y «con el alcance necesario para el ejercicio de la actividad habitual del empresario en el momento de la entrega de la obra realizada en virtud de dicha relación laboral». Es decir, según lo que dice la ley, si no se firman contratos por escrito en los que se deja claro el alcance que se quiera, como que la ilustración no se puede transformar, se entiende esto por defecto. Importantísimo para ilustradores y diseñadores.